Taroug ist das Soloprojekt des deutsch-tunesischen Produzenten, Schlagzeugers und Komponisten Tarek Zarroug. Verwurzelt in den Vororten der tunesischen Wüste und aufgewachsen in Deutschland, verschmilzt Tarougs Musik kontrastreiche Welten zu einer einzigartigen Klangvision.
Pulsierende organische Drums treffen auf seltene, exotische Instrumente aus aller Welt, verwoben mit Field Recordings, analogen Synthesizern und hypnotischen Vocals.
Nach der Veröffentlichung von „Perpetual“ (EP, 2020) und gefeierten Remixen für Künstler wie Archive (UK), brachte Taroug mit Denovali Records sein Debütalbum „Darts & Kites“ heraus. Es folgten u.a. Auftritte bei internationalen Festivals wie der Tallinn Music Week im Jahr 2025.

Auf seinem neuen Album „Chott“, welches der Musiker exklusiv in der Musikbar Schleuse Zwei vorstellen wird, setzt er sich mit seinen tunesischen Wurzeln auseinander. 
Benannt nach dem Chott El Djerid, einem riesigen Salzsee im Süden Tunesiens, dreht sich das zehn Titel umfassende Album um persönliche Geschichte und die Suche nach Identität. Es geht um Erbe und Erinnerung.
„Chott“ ist ein konzeptionelles, kontrastreiches Werk, geprägt von minimalistischer Melancholie bis zu roher, basslastiger Intensität. Es verbindet traditionelle Instrumente mit zeitgenössischen elektronischen Texturen, zieht dabei Verbindungslinien zwischen Vergangenheit und Gegenwart. 
Kulturelle Tiefe und Intimität entstehen vor allem durch die persönlichen Einflüsse, wie beispielsweise Gesang-Samples von Familienmitgliedern, oder ein arabisches Originalgedicht, gesprochen von Tarougs Vater.
Über diese intimen Dimensionen hinaus arbeitet der Musiker mit assoziativen, sinnlichen, repetitiven Klangbildern.

zawada

In einer Welt voller analoger Klänge, die auf einem warmen Synthie-Teppich ruhen, führen uns eingängige Gesangsmotive durch die musikalische Landschaft der Künstlerin zawada. Die klangliche Reise der Musikerin Sandra Zawada findet ihre Inspiration in einflussreichen Künstler*innen wie James Blake und Oklou.

Im Fokus steht dabei die Suche nach einer harmonischen Verbindung zwischen Klang und Emotion. Die durch viele Effekte verfremdeten Vocals wirken in Verbindung mit bekannten Formen der Popmusik wie ein klangliches Experiment. Sie überschreiten die Grenzen des Bekannten und schaffen eine eigene, einzigartige Klanglandschaft.

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Der Frankfurter Klangaktivist besucht gerne Friedhöfe. An diesen Orten der Ruhe und Idylle findet er die nötige Distanz, um über die Vergänglichkeit nachzudenken und das Jenseits als konkreten Ort zu betrachten. Sein Debütalbum RUINENKAMPF entspringt derselben Denkweise – sich gerade so weit zu distanzieren, dass man mit einem Laufstart direkt zum Punkt kommt.

Beim Hamburger Qualitätslabel Bureau B veröffentlicht, begibt sich Das Kinn auf seinem Album in einen musikalischen Parforceritt durch die Ruinen unserer Zeit. Mittels Kickbox-Phonetik und Elektronik-Armada führt es uns durch eindringliche Klanglandschaften irgendwo zwischen DAF, den Kosmischen Kurieren und Frankfurter Bahnhofsviertel.

Beats auf Anschlag, Knochen klappern, die Orgel leiert. Warme Synthlines, gespielt von kalten Händen. Ein Saxophon sinniert über das Danach. Hymnen für den Abriss; Musik zum feierlichen Untergang.

Seit bald zwei Dekaden schon sendet Toben Piel in unterschiedlichen Konstellationen Klopfzeichen und Signallaute aus den Katakomben rund um die Frankfurter Bankentürme: Als Teil des Musik-Performance-Duos Les Trucs, als Mitbetreiber des Tape Labels MMODEMM, mit Arbeiten für Theater und Radio.

Sein Solo-Projekt Das Kinn erlaubt ihm jetzt, die Schnittstelle von New Age und Post-Punk, Schluckauf und Gesang zu erkunden. Verpassen solltet ihr das nicht!

Wer den Soundtrack seines Lebens als wehmütige, nostalgische Indie-Elektronik beschreiben würde, ist am Donnerstag, den 28. Mai, in der Schleuse Zwei genau richtig aufgehoben. Dann nimmt uns RIP Swirl in feinster Shoegaze-Manier scheinbar mit zurück in vergangene Indie-Tage.

In seiner Klangpalette verbindet der aufstrebende Multi-Instrumentalist und Produzent RIP Swirl, alias Luka Seifert, seine Arbeit als Produzent und DJ in der Berliner Clubszene mit seiner lebenslangen Beziehung zur Gitarre und seinem analogen Ansatz beim Aufnehmen. Das Ergebnis ist eine Leinwand aus stimmungsvollen Klanglandschaften, die aus Fragmenten von Shoegaze, Trip-Hop und nostalgischen Atmosphären entstanden sind und Vorstellungen von Teenager-Angst und nächtlichen Autofahrten in den Vororten heraufbeschwören.

Meist arbeitet Luka Seifert solo; alle Instrumente, die Produktion und das Mixing entspringen seinem Heimstudio in Berlin. Das Mastering seines Albums „Perfectly Blue“ hat er allerdings an Beau Thomas (Aphex Twin, Burial) ausgelagert und es sind eine Reihe von Sängerinnen zu Gast, darunter Tanukichan, alias error of a.s.o., Maria Somerville und Winter.

Die Musik von RIP Swirl hat Fans unter allen gefunden – von Gen Z Alt-Kids bis hin zu Techno-Puristen. Seitdem ist er ein enger Mitarbeiter und Produzent mehrerer aufstrebender Sängerinnen geworden; darunter Ydegirl aus Kopenhagen und Ariana Manmoon von untitled (halo).

Luka arbeitet weiterhin vollständig in seinem Heimstudio in Berlin, wo er sich in seinem Spielplatz aus Musikinstrumenten verliert und ohne festen Plan endlos kreativ ist.

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Fred N’Thepe aka Neue Grafik hat in den vergangenen Jahren mit Veröffentlichungen auf renommierten Labels wie Rhythm Section, 22a, CoOp Presents und Wolf Music von sich hören lassen. 

Sein Sound ist eine unverwechselbare Fusion aus Jazz, House und Hip-Hop, geprägt von seinem afrikanischen Erbe, seinem Pariser Hintergrund und einer tiefen Wertschätzung für Londoner Genres wie Broken Beat und Grime.

N’Thepe hinterließ erstmals einen bleibenden Eindruck in der Community des Total Refreshment Centre (TRC) – dem Herzen der florierenden Jazzszene Londons – während einer spontanen After-Hours-Jam-Session. Seitdem gab es Kooperationen mit namhaften Künstlern wie Nubya Garcia, Emma-Jean Thackray, Brother Portrait, Lord Apex und Allysha Joy.

In der Schleuse Zwei stellt der Künstler sein neues Album „Rachael“ vor, das am 30. Januar 2026 erschienen ist. Es ist sein bislang ambitioniertestes Projekt. Das Album, das im Laufe des letzten Jahres entstanden ist, beschäftigt sich mit Themen, die von der Figur Rachael aus dem Film Blade Runner inspiriert sind. Es handelt von der Reise der Liebe in all ihren Facetten – intim, roh, hart, organisch und ehrlich – und bietet eine reichhaltige, emotionale Reise, die Leichtigkeit und Tiefe in Einklang bringt – ein introspektiver Einblick in die sich entwickelnde musikalische Identität des Künstlers.

Oddisee (Amir Mohamed el Khalifa)is a Washington, D.C.–based rapper, producer, and bandleader acclaimed for his thoughtful lyricism, rich musicality, and genre-blending approach to hip-hop. Born to a Sudanese father and an African-American mother, and raised between the D.C./Maryland areaand summers inSudan, Oddisee brings a distinctly
global perspective to his work—one that explores identity, belonging, social consciousness, and personal growth with clarity and emotional depth.
Musically, Oddisee operates at the intersection ofhip-hop, jazz, soul, funk, and go-go, combining live instrumentation with sample-based production and incisive storytelling. His Sudanese heritage plays a subtle but vital role in shaping his worldview, informing a body of work that resonates across cultures while remaining grounded in livedexperience. This cross-cultural sensibility has helped establish Oddisee as a singular voice within contemporary independent hip-hop.

Am Mittwoch, den 13. Mai wird es krautig und psychedelisch in der Musikbar im Bunker – zum Doppelkonzert von Tiefenbroich Underground und Noise Pollution.

Tiefenbroich Underground ist eine Kraut/Psychedelic-Rock Band aus Düsseldorf. Mit ihrer größtenteils instrumentalen Musik verbinden sie Einflüsse aus verschiedenen Rock-Genres und Jazz. Die Musik lebt durch Improvisation und experimentierfreudige Sounds.

Besetzung: Mila Hosh (Gesang, Klarinette), Jasper Blom (E-Gitarre, Noise-Box, Samples), Felix Ringwelski (Saxophon), Nicolas Vellen (Piano), Henri Halbach (Bass), Philipp Brinkmann (Schlagzeug)

Noise Pollution bezeichnen sich selbst als "die avantgardistische Antwort auf U2".
“Post-Modern Kraut gepaart mit Wavy-Dark-Funk und einer Prise noicen noises”, so beschreiben die zwei Musiker ihr Werk.

Ein großer Teil ihrer Musik ist frei improvisiert. Dabei sind sie geprägt von inneren und äußeren Einflüssen. Noise Pollution zeigt ihrem Publikum sowohl die Schönheit von Klangextase als auch die Verbundenheit des Menschen zur Natur und die daraus resultierenden Konflikte. Lärmbelästigung gibt das Fundament von Noise Pollution.
Darüber treibt Louis das wildgewordene Schlagwerk weiter und weiter Richtung Horizont voran, während Adrian an der Gitarre eine dynamische Klangstraße baut.
Getreu dem Motto, der Ton macht die Musik, erzeugen Effektgeräte ein Bild, das nicht vorhersehbar ist. Störgeräusche, Rückkopplungen, Brummen und Wummern gehören zum guten Ton. Improvisation mit Konzept! Eins ist klar – wer Noise Pollution hört, wird niemals das gleiche Konzert erleben.

Die Platte wirkt wie eine Verdichtung früherer Ideen: ineinandergreifende Melodien, hypnotische Muster, ein anhaltender Fokus auf Rhythmus und Textur, gepaart mit einem Sound, der rauer, trockener und unmittelbarer ist als zuvor. Musikalisch schöpft „Grumpy Pieces“ aus vertrautem Terrain innerhalb des Harmonious-Thelonious-Universums:
Panafrikanische und nahöstliche Rhythmuskonzepte, repetitive minimale Strukturen, reduzierte Elektronik und Noise, die als strukturelle Kraft eingesetzt werden. Doch alles hier wirkt weniger festgefügt, instabiler, manchmal kurz davor, auseinanderzufallen.
Melodien reiben sich an rauen Bassfundamenten; trockene Snare-Schläge schneiden scharf durch den Mix. Der Groove bleibt zentral, trägt nun aber eine nervöse, gebrochene Qualität – spürbar unruhiger, als man es von einem seit fast achtzehn Jahren aktiven Projekt erwarten würde.
Der Titel „Grumpy Pieces“ ist mehr als nur eine ironische Randbemerkung. Das Album spiegelt eine Gegenwart wider, die von politischen und sozialen Spannungen geprägt ist. Wut, Unsicherheit und ein gedämpftes Gefühl der Verzweiflung ziehen sich durch die Tracks, ohne dass die Musik jemals wörtlich wird oder in offene Kommentare abgleitet. Stattdessen wirkt sie durch Reibung: zwischen Dancefloor-Dynamik und Störung, Unmittelbarkeit und Widerstand.

Das Album entstand erneut in Schwanders Heimatstadt Düsseldorf, wobei eine Arbeitsweise
zum Einsatz kam, die fest im Moment verwurzelt ist. Die Stücke wurden nicht am Bildschirm arrangiert, sondern intuitiv entwickelt, aufgenommen, verworfen und neu gestaltet.

Dieser Ansatz knüpft auch direkt an die Live-Praxis von Harmonious Thelonious an: Musik, die als repetitiver Zustand verstanden wird, als tranceartiger Raum, der eher beharrt als erzählt. Begrenzung, Intuition und Spontaneität sind hier keine stilistischen Gesten, sondern wesentliche Bedingungen der Musik selbst. Einflüsse aus dem alltäglichen Hörerlebnis – von brasilianischer Musik und elektronischen Platten bis hin zu Filmsoundtracks – bleiben bewusst im Hintergrund, vollständig absorbiert in einer in sich geschlossenen Klangwelt.
Grumpy Pieces ist kein Bruch, sondern eine Schärfung. Ein Album, das den unverwechselbaren Sound von Harmonious Thelonious weiter verdichtet und aufraut und einen unbehaglichen, doch körperlichen Soundtrack zum aktuellen gesellschaftlichen Klima bietet. Tanzmusik mit Biss.

Die aus Düsseldorf stammende Büsra Ayhan verbindet in ihrer Musik die Intimität des jazzy Soul mit Elementen aus Neo-Soul und R’n’B.

Aufgewachsen in einem unmusikalischen Elternhaus, begann ihre künstlerische Reise mit 19 Jahren, als sie in ihrer Heimatstadt einem Vokal-Improvisationschor beitrat. Kurz darauf entdeckte sie das Songwriting als Möglichkeit, ihre Erfahrungen als deutsch-türkische Frau und die Herausforderung, zwischen zwei Kulturen zu navigieren, künstlerisch zu verarbeiten. Das emotionale und intime Ergebnis ist live in der Schleuse Zwei erlebbar.

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